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Madhya Pradesh: centro geográfico de la India

Jueves, julio 3rd, 2014

Madhya Pradesh significa “provincia central” y, como su nombre indica, el estado está localizado en el corazón geográfico del país. Atravesado por el río Narmada, el estado límita al oeste con Guyarat, al noroeste con Rajastán, al nordeste con Uttar Pradesh, al este con Chhattisgarh y al sur con Maharashtra.  Su capital es la ciudad de Bhopal. Fue el estado de mayor tamaño de la India hasta que el 1 de noviembre de 2000 se formó el de Chhattisgarh con zonas pertenecientes a Madhya Pradesh.

Ubicación de Madhya Pradesh

Lugares destacados

Algunas ciudades en Madhya Pradesh destacan por su arquitectura o por la belleza de su entorno. Tres localizaciones en el estado han sido declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco: los templos deKhajuraho, los monumentos budistas de Sanchi y los abrigos rupestres de Bhimbetka. Otras ciudades que destacan por su belleza o por sus paisajes son BhopalGwaliorManduOrchha y Shivpuri.

KHAJURAHO

Aquí se encuentra el mayor conjunto de templos hinduistas del país, famosos por sus esculturas eróticas. Los templos están considerados por la Unesco comoPatrimonio de la Humanidad, desde el año 1986.

El nombre de la ciudad proviene de la palabra Kajur que en idioma hindi significa “palmera datilera“. Khayurajo fue la capital religiosa de los Chandella, una dinastía que gobernó esta parte de la India entre los siglos X y XII.

Los templos se construyeron en un espacio de tiempo de unos cien años, entre el 950 y el 1050. Toda la zona está amurallada, con ocho puertas que permiten la entrada al recinto. Cada una de estas puertas está flanqueada por dos palmeras. Originalmente había unos 80 templos de los que quedan 22 en buen estado de conservación. Toda la zona ocupa un área total de 21 km².

Tal vez por encontrarse en una zona poco habitual para la construcción de templos (lejos del Ganges), consiguieron sobrevivir a la destrucción masiva de elementos hinduistas llevada a cabo por el Imperio mogol musulmán. Poco a poco los templos fueron quedando abandonados y permanecieron ocultos en medio de la vegetación. Fueron redescubiertos en 1838 por el capitán I. S. Burt, ingeniero del ejército británico.

Templo Visvanath

Templo Dulhadeo o Dulhadev

Las esculturas que decoran los templos de Khayurajo se pueden clasificar en cinco tipos diferentes. Por un lado están los dibujos geométricos y florales, utilizados en los techos, molduras y en la decoración de las columnas. Otro tipo de esculturas son las que representan la vida de la corte, como los bailes o la música, así como actividades cotidianas.

Un tercer grupo está compuesto por las figuras de animales, que suelen estar colocadas en las molduras exteriores e inferiores de los templos, como para romper la monotonía de las figuras humanas. Las imágenes de dioses y diosas forman el cuarto grupo y suelen estar situadas al fondo del templo o en los nichos situados bajo los salientes. Finalmente se encuentran las figuras femeninas y las que representan a parejas amatorias.

No se sabe a ciencia cual fue el motivo por el que los templos se decoraron con diversos motivos eróticos. Algunos estudiosos creen que la decoración tenía un motivo educativo: enseñar el Kámasutra a los más jóvenes; para otros, los templos son un homenaje al matrimonio entre Shivá y Párvati. También existe la teoría de que las esculturas representando a amantes servían de protección, ya que ahuyentaban a los malos espíritus y a los rayos.

Patrimonio de la Humanidad

Los Monumentos budistas de Sanchi, son un conjunto de monumentos declarados como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1989.

La Gran Estupa de Sanchi fue construida durante el reinado de Aśoka el Grande, el tercer y último emperador de la dinastía maurya. Fue el primer emperador de esta autocracia religiosa basada en el budismo.  (…)

Su arquitectura está orientada según la cosmografía del Oeste asiático, siendo la estupa un diagrama del cosmos, representación visual de Buda. La construcción de la estupa estaba precedida de una ceremonia geomántica orientada por sacerdotes donde, a través del lanzamiento de puñados de arena en un plano, se visualizaban mensajes divinos que orientaban su construcción.

Las proporciones son rigurosamente matemáticas y su función es la de un relicario, guardando piezas de valor religioso para la comunidad. Del cuadrado o del círculo de la base pasa a la cúpula o anda que simboliza el cielo de los dioses, el camino entre el cielo y la tierra. El conjunto está circundado por un cerco que se abre en puertas-arco (toranas).

Abrigos rupestres de Bhimbetka

Los abrigos rupestres de Bhimbetka componen un sitio arqueológico y son uno de los lugares declarados como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Están situados en el estado de Madhya Pradesh (India). Abarcan un área de 1.893 hectáreas y una zona de protección de 10.280 ha.

Las pinturas rupestres de Bhimbetka exhiben los restos más antiguos de vida humana en la India, las pinturas en la roca de la Edad de Piedra tienen aproximadamente 9000 años, son algunas de las más antiguas del mundo. Según el propio descubridor, el nombre Bhimbetka procedería de la frase dialectal bhīm bait ka (‘Bhimá que se sentó en estas rocas’, un personaje del inmenso texto épico sánscrito Majábharata, de los últimos siglos antes de Cristo).

Las cuevas se encuentran a 45 km al sur de Bhopal. Toda el área está cubierta por una vegetación espesa y bosques ricos en fauna y flora. Tienen una significativa semejanza con otras pinturas en roca en lugares como el Parque Nacional Kakadu, en Australia, en el Desierto de Kalahari y en la caverna de Lascaux, en Francia.

El lugar fue mencionado por primera vez en 1888 como un lugar budista. Las pinturas fueron descubiertas en 1957 por el arqueólogo indio Vishnu Shridhar Wakankar(1919-88). Los estudios arqueológicos revelan una secuencia continua de culturas de la Edad de Piedra, desde el período Achelense hasta el Mesolítico. Los abrigos presentan varias pinturas interesantes que muestran la vida de las personas que vivían en las cavernas, incluyendo escenas de nacimientos, danzas y bebidas, ritos religiosos y enterramientos. Las pinturas muestran también animales como los bisontes, los elefantes, los pavos, los rinocerontes y los tigres.

Según la arqueóloga Yiotsna Kamat, la dieta principal de estas tribus eran frutas, cebollas, miel, carne de puercoespín, jabalí, venado, pescado, tortugas y aves (incluido el pavo real). No hay signos de vino o licor.

 

(Fuente:  Wikipedia)

 

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EL ESTILO PERSONAL DE FERNANDO BOTERO

Viernes, octubre 9th, 2009
 
 

EL ESTILO PERSONAL DE FERNANDO BOTERO

Viernes, octubre 9th, 2009
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El estilo personal de Fernando Botero

 

En esta entrevista dice que está un poco cansado de las megaesculturas y que el arte es hacer lo mismo, pero de una forma distinta. Por estos días exhibe sus obras en Nueva York.

 

NUEVA YORK (EFE).- Fernando Botero, el pintor vivo con las obras más reconocibles del mundo, consideró que el buen arte solamente puede ser un acto de convicción, y que es falso que ahora sea más comercial.
"El comercialismo era total en la época antigua. Antes era horrible. Toda esas obras maestras fueron hechas en condiciones de comercialismo inaudito. Hoy hay más libertad que nunca, y cada uno hace y pinta lo que le da la real gana", afirmó el maestro.
El pintor colombiano, convaleciente de un proceso gripal que lo ha tenido en cama en los últimos días, explicó así su reflexión sobre el arte, con motivo de la inauguración de una nueva exposición en la Galería Malborough de Nueva York.
La muestra, la primera de "Esculturas Monumentales" que Botero hace en la Gran Manzana en los últimos ocho años, consta de ocho esculturas de 4,5 metros de altura – dos de ellas inéditas "Pareja bailando y "Mujer a caballo" – fundidas en los famosos talleres de Pietrasanta (Italia).
"La obra tiene la frescura de ser cosas desconocidas. Todas inéditas en Nueva York y dos de ellas completamente nuevas", dijo en su apartamento de Park Avenue, con vistas a Manhattan en donde vivió en la década de los años 60 y 70, y regresa con frecuencia.
Botero reconoce que, aunque estas esculturas le dieron reconocimiento mundial, se considera más pintor que escultor. "Soy pintor desde hace 50 años y escultor sólo 25, aunque estas obras han hecho que me conozca la gente de la calle".
El maestro reconoce que ha perdido cierto interés por estas esculturas, obras que ha exhibido por una docena de las principales ciudades del mundo – desde Nueva York a Los Angeles pasando por París y Madrid -, y que le han permitido ser conocido por los que nunca van a los museos o a las galerías de arte.
"La verdad es que he perdido cierto interés – resaltó. Es todo un problema al ser tan grandes".
Botero subraya que es "una sensación bonita" ver cómo hasta los niños reconocen su estilo y explica que, en el fondo, es la esencia del arte. "El arte ha sido, es y seguirá siendo hacer lo mismo pero de una forma distinta. Tener un estilo personal".
El lo ha logrado. Sus voluminosas figuras, deformadas cariñosamente hasta el extremo, se han convertido en una marca irrepetible y única que, a pesar de contar con fortísimas raíces latinoamericanas, son entendidas y admiradas en todo el mundo.
La obsesión por el volumen, cuenta Botero, es una "inclinación intuitiva" que tuvo desde pequeño y que maduró admirando el arte florentino que es volumétrico. "Ahí empezó el interés, y lo interpreté dentro del arte moderno donde, como saben, todo es más extremo, más extravagante".
Preguntado si este estilo no se torna, sin embargo, en una trampa que limita la libertad artística, Botero responde con contundencia: "De ningún modo. Los maestros importantes todos tuvieron su estilo“.
"Es estilo – explicó – es una convicción. Los grandes pintores siempre pintaron dentro de la misma convicción, de un mismo estilo.
El Greco fue siempre El Greco, Tiziano fue siempre Tiziano, la regla no ha sido cambiar de estilo. Todo lo contrario".
Aunque reconoció que Picasso y Goya fueron casos excepcionales.
"Sí, Picasso lo hizo con éxito pero no es la norma. Creo que esa convicción, esa profundización, es lo que realmente diferencia al maestro del discípulo".
Botero también negó que ahora el arte sea más comercial que en el pasado, y record— que los precios de los cuadros suben astronómicamente después de salir de la mano del pintor. "Ahora sería imposible copiar diez veces la misma pintura, o pedir que el especialista de paisajes terminara un cuadro mío – dijo -. No olvidemos que hasta Rubens recurría a especialistas en sus cuadros para terminar países o para pintar los pájaros".
El apartamento está repleto de Boteros, pero antes había más de 100 cuadros de otros autores. Valorados en 250 millones de dólares, que regaló a dos museos colombianos.
"No me importa… no los echo en falta. Antes había aquí Picassos, y ahora he traído cuadros míos que tenía en una finca colombiana. No sé si seré capaz de volver a montar otra colección. Es difícil", concluye.
La suya propia le es suficiente.

Rafael Moreno

 (22 mayo 2001)

   
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